.

Меню сайта

Слайды

Статистика


Как самостоятельное направление в живописи (а фотография большинство своих направлений позаимствовала именно оттуда) натюрморт сформировался лишь в XVII веке. Нередко предметы, изображенные на картине, имели глубокое символическое значение. Правда, к тому моменту, когда фотография ворвалась в этот жанр, символизм в натюрморте уже отошел на второй план. Сегодня самое коммерчески востребованное направление натюрморта — рекламная фотография. Второе направление — художественная фотография, где натюрморт сравним с полотнами художников, но выполнен в фотографической технике. Несмотря на то что натюрморт статичен, а состав и архитектоника кадра находится целиком под управлением фотографа, создание хорошего натюрморта требует глубоких знаний работы со светом, композицией, формой.

 

 

         

 

 
    Натюрморт (франц. nature morte, буквально - мертвая натура) - это жанр в изобразительном искусстве (главным образом живописи и графики), посвященный изображению неодушевленных предметов: цветы, посуда, вазы , плоды и фрукты, дичь, письменные принадлежности и т.д.

 

Русский натюрморт Статьи об искусстве  
 

 

Осенний этюд - Пешкун Василий Петрович Почувствовать природу вещей и восхищаться деталями, на которые в будничной жизни мы порой не обращаем внимания, нас учит особый жанр в изобразительном искусстве – натюрморт. Для художника натюрморт – это возможность выразить настроение или состояние души посредством композиции, аллегории символов и игры цвета. Французское словосочетание "nature morte” переводится как «мертвая природа», но само определение этого жанра скорее требует перевода «застывшая природа», недаром в голландском языке он называется «stilleven» - остановившаяся или замерзшая жизнь, а в английском - «still life» - спокойная жизнь. 

Именно натюрморты, написанные голландскими мастерами XVII века, ознаменовали первый расцвет этого направления в Европейской живописи. Практически в любой картине «старых голландцев» четко прорисованы элементы со множеством «оживляющих» деталей —тщательно изображенные насекомые на плодах и листьях растений, лягушки, охотящиеся на них, капли росы… Каждое полотно наполнено общей идеей, своеобразным настроением, которое передает ощущение гармонии. В основном натюрморты таили в себе уникальные истории, которые легко читались знатоками символов, широко публикующихся в специальных эмблематических сборниках, распространенных в XVII веке. Цветы и плоды, насекомые и предметы интерьера – все несло в себе скрытый смысл, как шифр, понятный представителям высших слоев общества, знание которого было не просто хорошим тоном, но признаком достойного образования. Так, например, сосуды из серебра считались олицетворением богатства, а экзотические морские раковины – знаком больших растрат. Лилии сообщали о непорочности. Белые розы говорили о платонической любви, красные розы — о плотской. Кисть винограда, часто встречающаяся на полотнах, несла в себе двойное значение - напоминание о жертве Христа за людские грехи или просто приближение осени. А легкая порхающая бабочка была символом бессмертия души. 

Русский натюрморт черпает свои истоки в середине XVIII века, когда в Петербургской Академии художеств был открыт класс «цветов и плодов», просуществовавший лишь до 1795 года. Переняв европейскую символику, художники, закончившие этот класс, добавили также новое значение изображаемым аллегориям цветов, которые теперь также олицетворяли жизнь человека - от бутона до пышно цветущего растения. При помощи цвета они передавали темпераменты и характеры людей. В этот период подобные изображения чаще всего применялись в качестве декоративного панно над дверью помещения, которое называлось десюдёпорт от французского «dessus de porte» (над дверью). С периодом «цветов и плодов» связывают имена художников Алексея Бельского и Ивана Фирсова.

Как серьезный жанр живописи русский натюрморт появился лишь в XIX веке, а точнее в 20 - 40-х годах. Первыми известными живописцами, писавшими натюрморты, считаются граф Ф.П. Толстой и И.Т. Хруцкий, академик живописи цветов и плодов. Петербургская публика восприняла их работы «на ура!». А спрос, особенно на работы Хруцкого, был так велик, что ему приходилось даже копировать свои собственные картины, дополняя их парой новых деталей. Роскошь спелых фруктов и отборных овощей на картинах художника, услаждая глаза гурманов, придает ощущение близости праздничного стола и изобилия. Как миниатюрные акварели и гуаши Толстого, как и картины Хруцкого отличаются тщательным прорисовыванием деталей, почти фотографической точностью. Несмотря на все обаяние работ этих художников, их влияние на развитие русского изобразительного искусства оказалось совсем невелико.

В русской живописи натюрморт становится более значимым направлением лишь в 80-х годах XIX века. Среди множества других работ, небольшие по размеру, но удивительно искренние картины И. И. Левитана (1860-1900) вызывают особое внимание. Изображая полевые или садовые цветы, Левитан передает живую игру света, как, например, в "Лесных фиалках и незабудках" (1889), где цветы скромного букета в незатейливой вазе настолько живы, что, кажется, будто дуновение ветра донесет аромат их свежести. Так же чисты и откровенны его «Белая сирень» и трогательные «Васильки». В Чувашской художественной галерее хранится еще один натюрморт Левитана, написанный в том же стиле, - "Одуванчики". По-весеннему теплая гамма зелено-коричневых тонов передает абсолютную гармонию глиняной кринки с яркими солнечными и белыми пушистыми соцветиями. И хотя в данных работах Левитана натюрморт традиционен: здесь используется темный фон для контрастного изображения отдельного букета, настолько мастерски использован свет, падающий на цветы на картине, что она по-настоящему оживает.

Современники Левитана, В. Д. Поленов (1844-1927), К. А. Коровин (1861 - 1939) и В. А. Серов (1865-1911), также обратившиеся в своем творчестве к этому жанру, пытаются привнести свое видение натюрморта. Это новое веяние, которое появилось в работах этих выдающихся русских художников, представляет собой своеобразную трансформацию или синергетику живописи – натюрморта и бытовых сцен, а также пленэрных этюдов. В их картинах натюрморт перестает быть обособленным от интерьера, от пейзажа. «Цветы и плоды» теперь неотделимы от реальной жизни и по большей части перестают быть «мертвой природой», а становятся деталью, иногда даже не столь важной. Так, например написанный В.Э. Борисовым-Мусатовым (1870-1905), «Венок васильков» (1905) практически неотделим от окружающей среды, он - всего лишь деталь в саду...

Одна из ранних картин Коровина также отражает новые тенденции в написании натюрморта. Изображая дружеское чаепитие на даче В. Д. Поленова - „За чайным столом” (1888), художник работал практически на пленэре: терраса усадьбы окружена утопающим в зелени садом, и солнце, светящее сквозь листву, отбрасывает зеленоватую тень на лица людей. Самовар в центре стола также играет светло-зелеными и золотистыми рефлексами. Единая свето-воздушная среда создает ощущение теплого летнего дня. Радость дружеской беседы и аромат свежести сада передается при помощи натюрморта. Сочные ягоды в белой тарелке, крахмальная свежая скатерть и молоко в высоких стаканах способны перенести гармонию и эмоциональное единство посредством живописного решения.

Очень хороша работа В.А. Серова «Девочка с персиками» (1887), представляющая собой одновременно и портрет, и натюрморт. На нем изображена Веруша Мамонтова, дочь известного мецената Саввы Ивановича Мамонтова. Всевлод Саввович Мамонтов, сын мецената рассказывал: «Только благодаря своей дружбе удалось Серову уговорить мою сестру Веру позировать ему. Двенадцатилетнюю жизнерадостную бойкую девочку в летний погожий день так и тянет на волю, побегать, пошалить. А тут сиди в комнате за столом, да еще и поменьше шевелись». Рефлексы на розовой кофточке, на белой скатерти и стенах, причудливый узор майоликовой тарелки, румянец на щеках девочки будто отражающий румяные персики, желтовато-зеленые листья, случайно оказавшиеся на столе, и призывно заглядывающие в окно, создают неповторимое настроение этого шедевра.

Также нельзя не вспомнить «Дельфиниум» (1908) И.Э. Грабаря (1871-1960), вдохновленного работами импрессионистов, букет садовых цветов ярко-синим пятном выделяется на фоне любимых художником берез. Популярность живописи французских импрессионистов и постимпрессионистов, таких, как Моне, Сезанн, Ренуар оказала значительное влияние на развитие натюрморта и пейзажа в России. 

Русскими сезаннистами называют художников общества «Бубновый валет»: Кончаловского, Машкова, Лентулова, Фалька, Гончарову и Осмеркина, прославлявших здоровый материализм и яркую плоть вещей. В работах художников «Бубнового валета» натюрморт стал одним из важнейших жанров. Они пытались пойти дальше импрессионистов в стремлении не только «получить впечатление», но физически ощущать материальную субстанцию своих картин. 

Помимо нового «смешанного» натюрморта оставался и традиционный, салонный натюрморт, в котором особенно ценилась легкость изображения, как впрочем, и обратное – ювелирное украшение живописной поверхности. Важна была красивость и „роскошь” общей композиции. Идеальной с точки зрения салонного натюрморта стала огромная изысканная картина К. Е. Маковского (1839-1915) „В мастерской художника” (1881). 

Здесь воистину „натюрмортное” изобилие экзотических фруктов, антикварных вещиц и дорогих тканей, среди которых золотоволосый мальчик-купидон и породистая собака создают впечатление неживых, но обязательных предметов роскоши. Натюрморты Маковского могут быть не только салонными. Так, в его известной картине „Алексеич”, фигура простого и добродушного старика полностью раскрывается в той уютной радости, которую тот испытывает, предвкушая чаепитие. Однако главная деталь картины – не ее герой, а толстобокий самовар с чайником, готовым вот-вот закипеть, краюшка хлеба и душистое малиновое варенье в стеклянной банке, коробка с чаем и сахаром под сложенным полотенцем передают тепло и покой. 

Позже Б. М. Кустодиев (1878-1927) также перенес натюрморт в жизненные реалии. На его картинах пышные купчихи, наряженные в кашемир и атлас, плавно проплывают мимо торговых палаток. По обе стороны от их полных собственного достоинства фигур на прилавках и на мостовой громоздятся астраханские арбузы, спелые яблоки. А в лавках, продающих „колониальный товар”, красуется виноград. Их двери украшают пестрые выве¬ски, с гротеском изображающие всевозможные яства.

XX век принес новый интерес к натюрморту, особенно цветочному, не только со стороны русских последователей импрессионистов, но и представителей авангарда, а также беспредметной живописи. Классические натюрморты пишет Удальцова. Давид Бурлюк, основатель русского футуризма, создает натюрморты, переходящие в пейзажи. Работы этого жанра Исаева, Минчина, Ланского представляют собой зыбкую границу между живописью предметной и беспредметной. А в 20-е–30-е годы натюрморт даже приобрел форму абстрактной живописи. Цветочные композиции сливаются в единый узор с фоном, где сам стол, рисунки, цветы и предметы становятся декоративным орнаментом.
Вплоть до 60-х годов двадцатого века натюрморт был способом выражения лирических переживаний художников, живущих вне советской идеологии, их своеобразной «отдушиной». К жанру натюрморта продолжают прибегать и современные художники, каждый раз передавая ему все новые оттенки.